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中国的瓷器艺术到了非挽救不可的地步

14-11-11 02:24:06 来源:《书画与收藏》10月刊 我要评两句

内容概要:

中国的瓷器艺术到了非挽救不可的地步

——兼评著名画家、陶瓷设计师叶建新的瓷绘创新技术


文/姜宝林


山水画的演变,五代以前是大青绿山水,五代时荆浩发明了皴擦法,一直沿用到元明清到现在,都是勾勒皴擦这套程序,但叶建新敢于突破常规,建立自己的特色语言。他的特色语言就是没骨山水。没骨早在中国画里是大块的泼墨,而不是强化线条的作用,也不是强调皴擦的作用,这在中国山水画史上前人也有过。宋代梁楷就是大写意没骨人物画,大笔挥洒,当然挥洒也是在用笔的基础上,不是乱画乱涂,而是笔笔见底,笔笔见功夫。


叶建新的山水画是传统意义上的山水画,但是表现手法上有创新,建立了自己的语言体系。我们的中国画首要的就是要继承传统,继承遗产,但这又不是目的,而是一种基础和手段,创造突破才是目的。叶建新的画看上去是传统山水画的常规题材,但是在当下山水画没骨风、复古风盛行的情况下,我觉得他能够拉开距离,不与人同,画出自己的心得和面貌,确实难能可贵。艺术重复是没有价值的,不同才是艺术,正是由于叶建新山水画的不同,所以才给人一种耳目一新的感觉。叶建新的画淡墨用的很好,用的很润,很轻,而且又很厚,因为淡墨的没骨首先建立在用笔的基础上,没有用笔的修养和理解,那种大面积的没骨泼墨是很难把握的。


古人一再强调在淡墨中以形传神、形神兼备。“形”是思想感情的载体,离开了“形”就不能称其为画,要形神兼备。叶建新在这方面确实迈出了新的一步,现场摆放的作品有宋画的感觉,因为宋画好多都是画在卷文中,应用没骨法,五代郭熙派系的演变,他的山水是画在卷上。而叶建新的画是画在生卷上,墨用的又很纯净,很美,给人一种赏心悦目、耳目一新的感觉。


中国画艺术正在蓬勃发展,在这麽多画家队伍中,能够有一点探索,与人不同拉开距离是非常难得的。而当下的情况是重复,重复古人,重复别人,重复自己,这样的艺术是毫无价值的。潘天寿讲过“不同才是艺术”,如果大家都相同了还有什么艺术呢?一千多年前这样画,现在还这样画,这能有什么价值呢?看这样的画还不如看古人的画。所以创新意识,创造意识在当下是比较薄弱的。这也说明叶建新的探索精神难能可贵,比如那件刻花的《水墨青花瓷》,不论是瓶子的造型,还是刻工的功利,以及整个图案的设计与构成,均达到了完美的程度。


讲到瓷器,在座的都知道,瓷器是是中国的代名词。我到了景德镇才知道中国瓷器在世界人文领域是多么辉煌,瓷器对于中华民族是多么有代表性,我们经过一两千年从陶器演变到瓷器,是一个非常完美的陶瓷发展史。青花起源于元代,实际上元以前就出土了青花,到元朝是到了成熟阶段,明代进一步发展,到了清代康雍乾达到了高峰。


瓷器既是艺术品又是实用品,虽然有官窑和民窑之分。但不管是官窑的精美还是民窑的朴实,都有很高的艺术性。就制作的完美度来讲,我更喜欢民窑。民窑非常直观朴实,富有情趣,又很大气,真正体现了民间匠人的艺术才华。瓷器本身也是文人画的作品,有很高的艺术价值,民窑是要快,要普及,要大量生产,所以一笔草草,更具有中国写意画的特点。康雍乾以后,中国的瓷器逐渐衰落,清末还有一点回光返照,民国则更加衰败,到了目前简直衰败到了谷底。究竟什么原因导致的呢?许多行家和学者探讨过这个问题,也没有一个正确地解释和答案。我第一次到景德镇是2008年,看到当地的作品特别是某些“大师”的作品,低俗不堪,那怎么能叫艺术呢?怎么叫大师呢?我看了以后非常痛心,那些人在瓷器上作画简直是浪费原材料,因为高岭土是有限的,已经挖了一两千年,如果再继续浪费就会资源枯竭,最终导致景德镇”瓷都“的消失。


我认为陶瓷“大师”的设立很不妥当,为什么在其他艺术门类比如中国书法、中国绘画上没有“大师”,却要在陶瓷领域设立“大师”?这个“大师”的出现似乎比教授还要高一级,但这些大师的水平多数都不行,画的很匠很俗,根本不能代表中国的艺术水准,就因为有了“大师”的称号,名声也大,卖的也好,这无形中就给广大消费者造成了错觉,即“大师”的瓷器最好。所以我觉得“大师”这个称号不好,况且大师是由谁来评选呢?有什么标准?中国陶瓷绘画的艺术标准越来越低,跟“大师”称号的出现很有关系。


瓷器烧制的成功率很低,这就要求作者更加精益求精。我们在宣纸上画一张画,画得好坏当时就可以鉴定出来,但是瓷器不同,有时候画得不是很满意但是烧出来的效果却很好,同样有时候感觉画得很好,烧出来却又不是那个味了,所以陶瓷绘画的成功率是比较低的。


我在景德镇是从教青花开始,我特别喜欢青花,王维讲过中国画“水墨为上”,画水墨是中国画里面最高雅、最上品的。瓷器在清代花样很多,其实瓷器越是单色,对作者的艺术要求就越高。我在景德镇画了很多瓷板,还有各种类型的瓶子,我把我在中国画里如何向现代转型的追求移植到瓷器上,因为在中国画创作里要求既要笔墨又要现代,此后我选了部分作品举办了一个瓷展,引起了一些轰动,现在已经有越来越多的画家参与画瓷。但画家的创新也遭到了当地不少“大师”们的愤恨,抱怨说画家画瓷器是抢他们的饭碗。


瓷器的优劣分为两部分,第一个是绘画艺术的高低,第二个是瓷质烧制的好坏。只有两者非常完美的融合,才是一件完美的瓷器。瓷器的好坏首先决定于画家的艺术造诣,艺术含量有多高,瓷器的艺术价值才有多高。如果按照那些所谓“大师”们创作的作品,中国的瓷器很难发扬光大,更没有复兴之路。今天文化部的司长在座,我觉得“大师”的体制问题是文化部应该考虑的。前年文化部副部长赵绍华在中国美术馆主持了一次瓷画艺术展,专门给我开了一个厅展,这表明文化部的领导对这个很重视,那次参展的作品就几乎没有“大师”的作品。


要把瓷器的艺术质量和艺术性提高上来,单靠所谓的“大师”是远远不够的,必须要请艺术造诣高的画家,进入瓷绘的创作地,来改变目前的现状,这是唯一的出路。其实历代很多经典产品都是艺术家创作的,像明清家具就是艺术家设计的,苏州、杭州、扬州的园林为何这么经典?也是因为艺术家参与了创造。所以不要把瓷器看成是工艺和手工活,应该看成是艺术品,是代表中国文化的标志性的艺术品。我觉得当下的陶瓷现状,是值得考虑的,特别是文化部值得考虑的,考虑什么样的瓷器才是真正的,有艺术价值的作品。只有这样才能扭转当前瓷器艺术每况愈下的局面,这样讲可能比较悲观,也有些过激,但是我觉得这样让各位领导听听也有好处,因为尖锐的刺耳的东西往往是值得研究的。中国的瓷器已经到了非挽救不可的程度。


再回到叶建新的瓷器绘画上来,我认为叶教授迈出了非常可喜的一步,两个釉里红瓷器发挥了他的没骨山水的大写意,一看很抽象,但是仔细观察能够看出来中国山水画可游可居的意境。他把水墨还原成釉里红制作在这精美的观音瓶上,这是艺术的转换。艺术的转换离不开艺术的修养,离不开艺术的根底,这是最关键的一条。

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